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SANTO GRIAL: MISTERIOS, LEYENDAS, DESTINOS Y SIGNIFICADOS

El Santo Grial es uno de los objetos más misteriosos y fascinantes de la historia y de la leyenda. Se trata de la copa o el plato que se utilizó en la Última Cena de Jesucristo, y que según algunas tradiciones, también recogió su sangre en la cruz.  El Santo Grial ha sido objeto de búsqueda, veneración y controversia a lo largo de los siglos, y ha inspirado numerosas obras de arte, literatura y cine.  Santo Grial de Valencia ¿Qué es el Santo Grial? El Santo Grial es un término que proviene del francés antiguo  “san graal”  o  “san greal” , que significa  “santo plato”  o  “santo vaso” . El origen de este término se remonta al siglo XII, cuando aparecieron los primeros relatos literarios que mencionaban el Santo Grial como un objeto sagrado y maravilloso, relacionado con la vida y la muerte de Jesucristo. Sin embargo, el concepto del Santo Grial es mucho más antiguo y complejo, y se ha ido enriqueciendo y transformando con el paso del tiempo y con la influencia de diversas culturas y tr

POMPEYA: LAS RUINAS QUE NACIERON DEL HORROR

Pompeya, cercana a la moderna ciudad de Nápoles (Italia), fue enterrada por la violenta erupción del Vesubio el 24 de agosto del año 79 d.C. y sacada a la luz nuevamente por un ingeniero español en el siglo XVIII. Hoy, los últimos derrumbes del área turística evidencian el precario mantenimiento de un conjunto declarado Patrimonio de la Humanidad en 1997. El descubrimiento de las ruinas En el siglo XVIII, el descubrimiento de las ruinas de Pompeya provocó una auténtica conmoción entre los amantes de la Antigüedad. La ciudad había desaparecido del mapa entre el 24 y el 25 de agosto del año 79 d.C., cuando una mortífera erupción del Vesubio sepultó ésta y otras localidades del entorno, como Herculano y Estabia. Aunque algunos se aventuraron a apuntar su localización, no fue hasta 1738 cuando el futuro Carlos III de España, entonces rey de Nápoles, encargó a un ingeniero militar español, Roque Joaquín de Alcubierre, que iniciase las excavaciones de las rui

FRAGONARD, EL QUERUBÍN DE LA PINTURA ERÓTICA

Fragonard cultivó todos los géneros pictóricos: desde el retrato y los temas históricos y mitológicos hasta los paisajes   o las escenas familiares.  Pero, sin duda, Fragonard destacará y será conocido, sobre todo, por la representación de escenas galantes. El columpio  El estilo galante El pintor francés Jean-Honoré Fragonard   ( Grasse ,   5 de abril   de   1732   –   París ,   22 de agosto   de   1806 ) fue uno de los artistas muy prolífico ya que llegó a producir más de 550 pinturas (además de dibujos y aguafuertes. Su viaje a Italia habría de marcar su trayectoria artística, sobre todo la observación de los románticos jardines, as fuentes, los templos y las terrazas que llenarían posteriormente su obra. También influyó en él la suntuosidad de la obra de Tiepolo. Cuando regresó a París aún no tenía decidido ni definido su estilo. En un principio se dedicó a la pintura religiosa, histórica y otros, pero pronto se cansó de esa temática. El cer

¿QUÉ ERAN LAS “SALAS RESERVADAS” DE LA PINTURA?

Las colecciones reales y de la aristocracia contaron desde mediados del siglo XVI con las llamadas “salas reservadas” estancias para la exposición de desnudos. La vista de estas “salas” estaba restringida sólo a quienes los titulares de ellas quisieran mostrar y obedecían a la doble moral de los Siglos de Oro en España. Adán y Eva de Durero Sólo para unos pocos Estas “salas” que nacieron como consecuencia del prejuicio religioso y social contra este tipo de obras de desnudos y que perduraron durante bastante tiempo en España. Felipe II fue el iniciador de las “salas reservadas”, donde podría haber estado la serie de Poesias de Tiziano, aunque parece ser que no hay pruebas  documentales sobre este camerino, aunque se supone en el Alcázar de Madrid. Felipe IV es el gran impulsor de la colección real y también se destina una zona privada del Alcázar para estos desnudos artísticos, que sin embargo eran tapados para no ofender a la reina, donde figurarían c

CAILLEBOTTE O EL MANEJO MODERNO DE LA PERSPECTIVA

Caillebotte fue un prolífico pintor de temas contemporáneos, vistas urbanas e interiores, paisajes  campestres, bodegones, retratos, desnudos y escenas fluviales. En sus obras plasma el realismo pictórico con una amplia riqueza de colores y en muchas de sus pinturas urbanas exageradas y profundas perspectivas. Plaza de Europa  Pintor y mecenas Gustave Caillebotte   (París, 19 de agosto de 1848-Gennevilliers, 21 de febrero de 1894)  fue pintor, coleccionista, mecenas y organizador de exposiciones. Aprobó el examen de admisión a la Escuela de Arte, pero no permaneció por mucho tiempo, el academicismo le ahogaba, y creó su propio taller ya que su fortuna personal, bastante importante, le permitía consagrarse desahogadamente a su pasión por la pintura. Puente de Europa   Conoció y entabló amistad con los impresionistas del París de la época e incluso participó en cinco exposiciones de los impresionistas. En la segunda exposición impresionista (1876

LOS ÚLTIMOS “AMORES OSCUROS” DE LORCA

En la edición (no autorizada) de los “Sonetos del Amor Oscuro”, Lorca da a entender, por primera vez y de forma explícita, su reivindicación de la homosexualidad. Se cree que en los días previos a la detención del poeta, que se produjo el 16 de agosto de 1936 en la casa de la familia Rosales donde él había buscado refugio, trabajaba precisamente sobre los “sonetos”. Lorca Los Sonetos del Amor Oscuro Los   “ Sonetos del Amor Oscuro” son una colección de sonetos   escritos por Federico García Lorca (1898-1936) durante sus últimos años de vida recopilados y publicados póstumamente. Los herederos de Lorca conservan los once sonetos amorosos, escritos por el poeta en papel de cartas con membrete del Hotel Victoria, de Valencia 8la mayoría de ellos primeros borradores), donde al parecer el poeta inició la serie en 1935, a los que se han unido se han unido una serie de sonetos de temática distinta, algunos de los cuales se remontan a 1924 y otros fueron escritos p

LOPE DE VEGA: ¿UN “MONSTRUO DE LA NATURALEZA”?

Más de mil obras están firmadas con su nombre (comedias, novelas, versos, epístolas, villancicos...) y tan precoz y prolífico fue también con sus amantes y con sus estudios. Su existencia está cargada de aventuras, multitud de amantes, hijos (diecisiete), hazañas de guerra, cárcel... y constantes peleas con otros hombres de letras. Lope de Vega ¿Escribió más de mil obras? Todos los expertos coinciden en que Lope de Vega debe ser un caso único. No se conoce ningún caso de ningún autor en la literatura universal con una obra tan extensa como la de Lope de Vega. Se sabe que empezó a escribir en la infancia, cuando solo tenía diez o doce años y siguió, sin tregua, hasta su muerte. Cervantes y Lope de Vega: dos genios mal avenidos    Lope de Vega no solo fue un buen estudiante, sino que, además siempre estuvo abierto al saber. No sólo leyó sino que también investigó en campos de muy diferentes materias como las matemáticas o la astrología. Cuando cumplió

MURILLO Y LA POBREZA INFANTIL EN EL SIGLO DE ORO

El éxito de la pintura de género de Murillo fue mayor fuera que dentro de España, lo que hizo que estas pinturas salieran del país después de la muerte de pintor. En la amplia producción de Murillo se recogen también alrededor de 25 cuadros de género, con motivos principalmente, aunque no exclusivamente, infantiles. Niño espulgándose Murillo pintor de género En España no hubo una importante escuela de pintura de género como en el norte de Europa y sólo hubo alguna tendencia en la composición de estos temas. Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682) se dedicó casi con exclusividad a plasmar escenas de tipo religioso, pues la clientela, tanto clérigos como laicos, así lo demandaban, pero también fue una de esas escasas excepciones de  pintor del tema de género. Murillo se sintió implicado y fue partícipe de la preocupación por la pobreza que respondían a la situación de un país en depresión y crisis de la que la populosa Sevilla, venida a menos por el traslad

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¿QUIÉNES FUERON LOS ESCRIBAS?

https://ajestigie.com/link?z=4913003&var={SOURCE_ID}&ymid={CLICK_ID} En la antigüedad, los escribas no sólo eran un colectivo que se encargaba de copiar a mano libros y realizar trabajos escribano, sino que también eran contables, arquitectos, administradores, bibliotecarios e incluso literatos. A pesar de proceder en su mayoría de estratos humildes, los escribas fueron adquiriendo una enorme relevancia social y política como casta especial. Escriba egipcio El escriba egipcio, una casta especial E l escriba era esencial en la sociedad del Antigua Egipto. Era un personaje culto  capaz de escribir, clasificar, contabilizar y copiar  utilizando varios tipos de escritura  ( como la hierática o demótica), conocedor del arte de la construcción y de transcribir rápidamente órdenes, documentos legales y pensamientos sobre papiros y ostracas con ayuda de un cálamo y su paleta con tintas de diferentes colores. Su trabajo era remunerado. Aunque realizaba su trabajo

MARGARET KEANE: LA PINTORA DE LOS OJOS GIGANTES

Margaret Keane es esencialmente una retratista al óleo cuyos personajes preferidos son mujeres, niños y animales domésticos. La característica principal de esta pintora estadounidense es que en todos sus cuadros los protagonistas aparecen con enormes y tristes ojos. Margaret Keane Historia de un vil engaño Margaret Doris Hawkins (Nashville, Tennesse, USA, 1927) siempre le gustó pintar grandes ojos en sus retratos. De pequeña era conocida en la iglesia local por sus bocetos de ángeles con grandes ojos. Se casó joven y en 1950 tuvo a su primer y única hija, Jane. El matrimonio no duró mucho. Tras su separación Margaret contraje nuevas nupcias en 1955 con un agente inmobiliario llamado Walter Keane. Su nuevo esposo vio en los cuadros de Margaret un filón y dejó su negocio para dedicarse    a vender estos en forma masiva en grandes almacenes, libros de cómic y revistas. Mientras, Margaret continuó perfeccionando su técnica, pero simplemente firmaba co

VANGUARDIAS: EL ARTE CONTEMPORÁNEO DEL SIGLO XX

El término “arte contemporáneo”, que sirve para designar al realizado durante el s.XX, se caracteriza por el constante cuestionamiento de los convencionalismos. La transgresión será la seña de identidad de unos artistas que se harán eco de la situación de inestabilidad social, política y económica por la que atraviesa la Europa de la época. Dalí El rupturismo de los “ismos” Genéricamente se reconoce como “arte contemporáneo” aquel que se llevó a cabo durante el siglo XX y que cuestionaba los principios artísticos de las últimas décadas del XIX (Impresionismo y Postimpresionismo), aunque fueron estos, precisamente, las raíces de su formación y de su espíritu crítico. Serán sin embargo los cambios políticos, sociales, económicos, científicos y filosóficos de finales del siglo XIX y principios del XX los que influyan de forma decisiva y hagan concebir a estas nuevas generaciones de artistas una manera diferente de afrontar la realidad y su revolución estética